Entretiens avec Josse Bailly

JOSSE BAILLY – ENTRETIEN n°1, le 03.02.2020 :

Benjamin Terrier:
En 2017, l’exposition Zeitgeist ¹ parle d’un retour de la figuration. Á ton avis, quels sont les facteurs qui ont pu favoriser l’émergence d’une tendance figurative en Suisse ?

Josse Bailly:
Je ne sais pas trop. Il y a eu un galeriste du nom de Anton Meier qui a amené pas mal d’artistes figuratifs suisses allemands dans les années 1960-70. Ils font partie des artistes qui ont inspiré Tobby Landei. Il y a aussi eu les frères Stroun qui ont amené plus de références des USA.
Notamment les comics américains, les Hairy Who, Jim Shaw et Philip Guston. Quand j’étais à la HEAD, la figuration commençait à bien marcher. Rapidement tout le monde s’est mis à faire des
bonhommes.

BJ:
En 2019 tu as participé à une exposition à la Villa Sarasin qui avait pour nom Bad Painting. Pourquoi une telle référence ? Y a-t-il une volonté d’exprimer une filiation avec la peinture figurative
des années 1980 ?

JB
Le nom n’est pas notre idée, à Hayan Kam Nakache et moi, mais celle de Elena Montesinos et de Président Vertut. Á mon avis, le Bad Painting est un faux mouvement. C’est juste le nom d’une expo qui a été récupérée par le marché et la presse.

BJ
Venons-en à ta propre pratique. Quelles sont tes sources d’inspiration ? Comment travailles-tu ?

JB
J’ai toujours aimé les vieux peintres figuratifs suisse allemands. Tel que Disler, Schärer ou Kuhn. Quand j’ai commencé, je m’inspirais aussi de « mauvais street art ». Mais, à dire vrai, quand j’ai débuté, en autodidacte, je faisais de la peinture abstraite. Une sorte de sous-Miró. Aujourd’hui j’apprécie l’attitude « punk », en marge du canon. Au-delà de cette question d’attitude, mes influences sont très variées. Cela inclut l’art « tribal », Kippenberger et des artistes actuels comme Gilles Roetzetter et Beni Bishof. Toutefois, à l’époque de Tobby Landei, je ne m’intéressais pas encore à ces deux artistes.
En comparaison avec Hayan, je pense que j’ai plus de références pop, notamment en musique. Á mes débuts, j’étais assez fermé vis-à-vis de l’art contemporain, mais je me suis ouvert depuis.
De manière générale, je bosse à partir d’images, mais parfois aussi de tête. Mon approche est basée sur une liberté totale de style, de format et de thématique. Mon travail repose sur l’expérimentation.
Je ne me soucie pas de savoir si je vais rater ce que j’entreprends. La notion de concept ne m’intéresse pas. Pour moi, il faut que les choses aillent vite. Je n’aime pas passer des heures ou des journées entières sur une même toile.

BJ
Qu’est-ce que Tobby Landei au juste ?

JB
Á la base c’est un espace-vitrine géré par Hayan et moi-même. Ensuite c’est devenu un genre de collectif qui pouvait regrouper Hayan, moi et d’autres artistes. L’objectif était d’emmerder les curateur-trice-x-s qui, à notre avis, prennent trop de place dans le monde de l’art. Il y a trop d’explications et de texte dans l’art contemporain. Cela tue le côté vivant de l’art. D’ailleurs, il n’y a jamais eu de texte dans les expos Tobby Landei, ni dans le catalogue qu’on a sorti.

Un autre aspect de notre travail était de tester différentes formes d’accrochages. Notamment en nous inspirant de ce qui se faisait aux USA dans les années 2000. Aujourd’hui les choses sont différentes. La figuration est devenue vraiment hype et tous les jeunes s’y mettent. Toutefois, on voit moins ce genre d’accrochages chargés et alternatifs qu’on essayait de faire.

BJ
Lors de notre dernière entrevue, tu m’as expliqué que Tobby Landei était, à l’origine, le nom d’un espace-vitrine. Le nom semble toutefois s’être étendu à un groupe d’artistes que nous pourrions définir comme un collectif. Pourrais-tu me dire comment l’intégration au sein de ce collectif se faisait ?

JB
Á la base on était deux, Hayan et moi, donc si l’un de nous décidait d’inviter quelqu’un, on ne disait pas non. En l’occurrence, c’est Hayan qui a fait venir Alan Schmalz, puis Timothée Calame. Mais comme tu l’as dit, à l’origine le nom Tobby Landei se réfère à un espace-vitrine de la rue des Étuves. Il se trouvait à côté de la librairie Cumulus et c’est Catherine, de Cumulus justement, qui nous l’a passé. Avant nous, l’espace était géré par Benjamin Stroun. Mais je ne sais pas trop ce qu’il y a fait.
C’était dans un genre de semi-squat qui allait bientôt être rénové. C’était vraiment une vitrine donc l’espace était petit et les expositions se passaient dans la rue en fait. Une fois que cet espace a fermé, on est devenu nomades et on a fait cette expo à Hard Hat. Je crois que c’est Fabrice Stroun et Balthazar Lovay, qui géraient l’espace, qui ont invité Hayan. Du coup Hayan m’a intégré et on a appelé l’expo Tobby Landei Keeps on Truckin’. L’idée avec Tobby Landei c’était de pouvoir parasiter les expositions. Ce qui fait qu’à Hard Hat il y avait aussi des œuvres de Lucas Delmenico et Alan Schmalz, qui n’avaient pas été invités par Balthazar et Fabrice. Cette pratique a pu énerver
certains curateur-trice-x-s par moments, enfin j’imagine.

JOSSE BAILLY – ENTRETIEN n° 2, le 21.07.2020 :

BJ
Mais ce nom, Tobby Landei, il se réfère plutôt à Hayan et toi ? Ou à un ensemble plus large ?

JB
En fait ça n’a jamais été vraiment très clair. C’est aussi pour ça qu’on a arrêté au bout d’un moment.
Ça portait à confusion. Par exemple au CAC, on a eu carte-blanche et du coup on a pu faire venir plein d’artistes.
Par contre, sur l’affiche, on était tous regroupés sous le nom Tobby Landei. Nos noms n’apparaissaient pas…
Main on a jamais vraiment su ce qu’on faisait. Après si des gens disent que c’est un collectif, c’est bien aussi. C’est devenu un collectif mais on l’a jamais cherché. L’idée c’était surtout de rigoler et d’avoir une contre-partie conceptuelle, ne pas trop réfléchir. Faire quelque chose un peu autour de l’ironie et de l’humour.

Á un moment, quand l’espace-vitrine a fermé en 2010, on s’est demandé si on devait chercher un autre espace…Mais on en avait pas tellement envie en fait. On a jamais aimé faire des demandes de fonds, etc. On nous a même proposé de nous prêter des œuvres d’artistes plus connus pour monter des expositions. Mais ça ne nous intéressait pas du tout. On exposait que des inconnus. D’ailleurs, notre première expo on l’a dédiée à un artiste américain qu’on a rencontré au marché aux puces. Il est même pas venu au vernissage, il n’en avait rien à cirer au fait….

BJ
Tu dis que votre peinture se veut drôle, satirique. Est-ce qu’il y a une volonté de faire de la critique, de la société ou du monde de l’art, par l’intermédiaire d’un ton humoristique ?

JB
Non vraiment non. En fait avec Hayan on essayait de ne pas trop réfléchir, sauf sur la forme. On ne choisissait pas forcément des sujets critiques. Par exemple une fois on avait fait un truc dans un skatepark. Du coup on est allés à la Migros et ils distribuaient des vignettes d’animaux. Alors on s’est dit qu’on pourrait peindre ça… Il n’y avait pas de réflexion critique là-derrière. Ça va toujours très vite aussi. On trouve une idée et on y va. Par exemple, à Hard Hat, on nous avait demandé de réfléchir longuement à un détail d’accrochage – les ombres des tableaux sur le désert. Nous on ne fonctionne pas comme ça. On préfère être directs, spontanés. Faire les choses sur le moment. Si on s’occupe de l’accrochage nous, c’est sûr qu’on va faire quelque chose d’installatif.
Si je fais un accrochage, par exemple, je veux me marrer. Mais je ne réfléchis pas plus loin. Je n’ai pas envie de réfléchir des heures à la meilleure manière d’accrocher un tableau. Je ne suis pas dans le concept… Bon le no-concept c’est déjà un concept…

BJ
Le langage pictural développé par Tobby Landei est purement figuratif. Pour quelles raisons ?

JB
La peinture que nous faisons est sincère, elle vient des tripes. C’est vraiment quelque chose d’intérieur, lié aux émotions. La figuration nous permet d’exprimer ça. Nous faisons des « bonhommes » parce que ça nous fait du bien, pas juste pour faire des « bonhommes ». Nous condamnons l’idée de l’art pour l’art, de la peinture pour la peinture. Pour nous la figuration n’est pas un prétexte pour parler de peinture.

BJ
Est-ce qu’on peut, par contre, parler d’une réaction face à un contexte genevois peut être plus orienté vers l’art conceptuel (Klat, Gygi, Armleder, Fleury,…) ? Ou face à la tradition suisse de l’abstraction (Max Bill, Itten,…) ?

JB
Je ne sais pas trop… oui et non… le but premier n’était en tout cas pas dans cette optique. C’était plus de rigoler et d’être assez spontané. C’était très basique c’est sûr… Mais après, de manière indirecte, en tant qu’étudiant aux beaux-arts, tu commences à côtoyer tout ce monde là… En plus moi je faisais la surveillance au MAMCO. Donc forcément tu vas vouloir te moquer un peu de ces artistes. Moi je ne crois pas au sacré, ni au génie artistique. Pour moi il n’y a pas de meilleur artiste,
de meilleur peintre,… Ça n’existe plus tout ça. C’est peut être ça qu’Armleder a amené, qu’il n’y ait plus de génie. Je sais que certains curateur-trice-x-s véhiculent, encore aujourd’hui, l’idée qu’une individualité artistique peut être meilleure qu’une autre… Moi je n’y crois pas.
Ce que j’essaie de faire moi c’est plutôt quelque chose de mainstream. Comme disait Hayan, tous les sujets sont bons. Hayan disait qu’il faut tout faire : un graffiti, un truc à la Pollock, un smiley, un monochrome sur lequel tu colles une photo de chat,… Je sais que certaines personnes détestent ça.
Par exemple suite à notre expo Hommage à Renée, pour laquelle on avait peint la vitrine en vert avec de la mousse expansive, il y avait eu des plaintes de gens qui ont dit que c’était trop moche.
Dans le milieu de l’art, par contre, ça a été bien accueilli.
Pour ce qui est de l’art abstrait, je ne dirais pas qu’on a consciemment souhaité prendre le contre-pied de l’abstraction. Ce n’est pas pour cela qu’on fait de la figuration. On a pas vraiment réfléchi à ça. D’ailleurs, il m’est même arrivé de faire de la peinture au scotch quand j’étais aux beaux-arts.

BJ
Le questionnement autour de la question du bon/mauvais goût semble très présente dans ton travail. Est-ce que vous faisiez exprès de louper des peintures par moment ?

JB
Oui par moments ça nous est arrivé. Je me souviens par exemple qu’au CAC (Centre d’art contemporain de Genève), on avait amené des objets qui n’avaient rien à voir. Pour ma part j’avais fait une sorte de sculpture-bougeoir avec des bouteilles de térébenthine. Du coup, une des artistes qu’on avait invitée est venue me dire que c’était trop, que je ne pouvais pas faire ça… Mais c’est faux, tu peux tout faire, tu peux faire n’importe quoi et tout a déjà été fait mille fois de toute manière. Ce n’est pas si facile de faire du moche car ce qui va te sembler affreux va parfois plaire à d’autres…
Pour ce qui est de la qualité au sens plus large, c’est vrai que je n’aime pas forcément les trucs hyper léchés ou bien faits. Il y a des artistes qui tiennent beaucoup à utiliser du bon matériel, une belle toile, etc. En ce qui me concerne j’aime mieux les vieux trucs du genre Friedrich Kuhn, Hans Schärer. Je suis plus intéressé pas les artistes modernes que les contemporains en fait.

BJ
Est-ce qu’il y avait une volonté de déranger ou choquer ?

JB
Oui et non. Car au fond on est quand même contents quand les gens aiment bien. On fait des tableaux très colorés et somme toute assez jolis. Je dirais plutôt qu’on fait quelque chose d’artisanal.
Tobby Landei c’est une approche artisanale, c’est du homemade.

BJ
Dans un des documents que Hayan m’a fourni, il y a un court descriptif de Tobby Landei. Il est écrit, notamment, que le but de Tobby Landei est d’avoir un espace d’exposition pour les artistes qui font de la peinture figurative et, plus particulièrement, ceux qui font des personnages de type « gros pieds – gros nez ». Est-ce que c’était vraiment un facteur de choix ?

JB
Oui et non, car on a aussi invité des artistes qui n’étaient pas là-dedans, comme Nelly Haliti. Après c’est surtout Hayan qui a ramené des gens car il est plus sociable que moi. Il a notamment amené pas mal de gens du graffiti.
Ce qui a fait que nous deux faisons des trucs ensemble est que dès le début, on s’est très bien entendus. Ça a tout de suite fonctionné entre nous.

BJ
Vous vous inspirez beaucoup d’éléments de culture populaire. Est-ce qu’on peut parler d’une forme d’appropriationnisme selon toi ?

JB
Oui dans un sens. Mais aujourd’hui, de toute façon, l’appropriationnisme est partout. Dans la publicité, sur les pochettes de disque,…
Dans notre travail c’est spontané. Ce n’est pas quelque chose qu’on a théorisé. Ça passe plus par internet ou les médias que par l’histoire de l’art. Fabrice Stroun, par exemple, admire le travail de Jim Shaw, qu’il nous a beaucoup montré à la HEAD. Lui est vraiment dans une pratique de l’appropriation qui est au coeur de son travail. Quand on s’inspire d’une image on va toujours la détourner. On va toujours réadapter l’image que l’on copie, la transformer. On ne va jamais recopier un tableau ou une image telle quelle. Si tu fais ça tu sacralises quand même l’image. Nous on en a rien à faire. On préfère se moquer, en rigoler. En particulier quand il s’agit d’artistes connus. Tu me diras que c’est plus facile…
Mais en fait je n’aime pas les artistes-star, ça ne m’intéresse pas. Je préfère les anonymes, les artistes peu connus. Je ne suis fan de personne.
Quand j’ai rencontré Hayan, je recopiais des photos de manière très réaliste. Des images de rockstars comme Johnny Cash. Hayan, lui, était déjà beaucoup plus libre dans sa pratique. Il venait un peu de la BD mais il avait une pratique plus diversifiée. Il est resté très BD alors que moi c’était plus la musique, le cinéma et les images, les photos.

BJ
Le Saint-Gallois Beni Bishof développe un langage qui peut rappeler celui de Tobby Landei. Est-ce une source d’inspiration ?

JB
Non j’ai découvert ça assez tardivement en fait. Je dirais que mes sources d’inspirations allaient un peu plus puiser dans le cinéma des années 1980-90. Comme Karate Kid, ce genre de films.